Billets

Les gouachés : petits bijoux de papier

Posté le 29 mars 2018 dans 29 mars 2018 dans Billets

Les gouachés : petits bijoux de papier

 

Avant de lancer une très grande transformation de ses espaces d’expositions, le musée de la Piscine à Roubaix rend hommage à un art méconnu, celui du gouaché.  Et comme j’ai été très lente ça se finit ce week-end… De quoi s’agit-il ? Entre le croquis et la fiche technique, les joailliers font dessiner leur projet de bijou sous la forme d’un dessin à la gouache particulièrement raffiné. Le bijoutier Dael & Grau à Lille, a eu la surprise en vidant les locaux d’une ancienne boutique de trouver 700 gouachés datant de 1910 à 1960. L’exposition a été montée en un temps record pour pouvoir être visible en 2018.Installée dans une des galeries latérales de la piscine on peut admirer par type de pierre les gouachés correspondants.

 

Dael et Grau

 

A l’origine Dael et Grau étaient deux bijoutiers indépendants, on venait chercher chez eux des bijoux, de l’horlogerie et de l’optique. Après leur fusion, la particularité de cette enseigne est l’absence de vente de licences, on trouve uniquement  leurs créations encore à l’heure actuelle. Les gouachés sont maintenant réservés aux clients prestigieux.

Créations contemporaines de Dael & Grau

 

Laure en train de réaliser un gouaché pour Dael & Grau. © De fil en archive

L’exposition

 

Elle se place dans une des galeries latérales du bassin. Le couloir et les cabines s’articulent autour des différentes pierres précieuses (émeraude, rubis, onyx, saphir, diamant, opale). Quelques mots sur chaque pierre, caractéristiques et circonstances, mais la part belle est laissée au dessin.

Galerie d’exposition de la Piscine de Roubaix

 

Les gouachés sont réalisés selon les époques sur du rhodoïd, du calque ou du papier canson. Cet art était souvent l’œuvre d’une seule personne dédiée à l’intérieur de l’atelier. Subtil le rendu doit pouvoir donner l’illusion du bijou, avec par exemple 11 types de blancs différents pour donner le rendu d’un diamant. Chaque dessin est fragile car sa matière même vieilli : le rhodoïd devient cassant et les papiers acides se modifient avec le temps.

Epingles en onyx et diamant. Collection Dael & Grau Photo : A. Leprince Les bijoux en onyx ont connu une grande vogue pour les périodes de deuil.

 

Anonyme, Maquette pour bague, Vers 1940 Gouache et crayon sur carton, Collection Dael & Grau Photo : A. Leprince

 

Anonyme, Maquette pour bracelet, Vers 1930 Gouache et crayon sur calque Collection Dael & Grau Photo : A. Leprince

 

Chaque gouaché révèle une époque, un style et démontre s’il le fallait que la joaillerie du nord était aussi inventive et avant-gardistes qu’à Paris. On oublie que les grandes familles de la région du Nord aimaient être à la pointe de la mode.

 

Cette exposition se prête merveilleusement au cadre de la Piscine et les œuvres se suffisent à elles-mêmes tant elles sont gracieuses. On aurait quand même aimé un peu plus de détails sur le fonctionnement d’un atelier ou des éléments historiques. Cela s’explique par la rapidité avec laquelle il a fallut monter l’exposition. Qui sait après la réouverture les gouachés reviendront peut être ?

Vue du bassin ©De fil en archive

 

 

Les gouachés, un art unique et ignoré

La piscine de Roubaix jusqu’au 1er avril 2018

http://www.roubaix-lapiscine.com/

Read More

Vendorama, quand Boucheron s’expose

Posté le 25 janv. 2018 dans 25 janv. 2018 dans Billets

Vendorama, quand Boucheron s’expose

Vendorama, quand Boucheron s’expose

 

Sur le papier Vendorama fait envie : une campagne d’affichage attractive (comme pour l’ouverture de la Maison Chloé), un site pour choisir facilement son créneau horaire car l’exposition est courte (jusqu’au 28 janvier), un argumentaire qui vise à faire découvrir les 160 ans de la maison Boucheron et ses créations orginales. En route pour la visite.

Victime de son succès, peut être, le créneau réservé est largement dépassé, plus de 40 min de queue sous la pluie, à noter toutefois que les « hôtes » sont aux petits soins : parapluie, catalogue, pré-enregistrement des réservations.

Dès l’accueil l’accent est mis sur la médiation, un intervenant nous rappelle le fonctionnement de l’appli dédiée (qu’un mail nous invitait à télécharger en amont), et les médiateurs proposent leur aide régulièrement dans les salles.

L’espace est divisé en 6 espaces : l’inspiration, les animaux de collection, la création et la fabrication, la révélation et le 26 place Vendôme.

 

L’inspiration

 

L’application Vendorama, fonctionne avec des bornes bien identifiées. Elle fait intervenir un chat Vladimir, qui, après quelques pirouettes, livre un secret de la maison. L’effet est amusant mais un peu long pour obtenir l’anecdote et il ne faut pas s’éloigner de la borne.

Pour évoquer la richesse des inspirations, une bibliothèque aux volumes noirs abrite des parures du thème serpent bohème décliné en plusieurs couleurs. Quelques exemples de documents d’archives tel qu’un livre de commande ou une lettre de correspondance entre Boucheron et un client donne une très petite partie de la richesse patrimoniale de la maison de joaillerie. Pour évoquer le fond iconographique considérable de la maison et le contexte historique du Petit Palais ou du Pavillon de l’exposition universelle, un livre interactif est à la disposition du visiteur. Il en résulte malheureusement un sentiment non abouti, avec des documents sans rapport avec les œuvres présentées. Le peu de cartels rend l’ensemble brouillon.

Cette première partie est complétée par des bijoux reprenant le bestiaire utilisé dans le répertoire de Boucheron. Des exemples de loup, de chouette, de colibri ou encore de biche, proposent d’admirer des pièces spectaculaires et avec un traitement en volume original, pendentifs, mais surtout bagues spectaculaires.

 

 

Création et fabrication le cœur de l’exposition

 

La scénographie attire le visiteur vers de grands écrans traités comme des tables. Il y en a 6, indépendantes, ce qui permet de ne pas attendre son tour et c’est très appréciable. Le parti-pris de ce dispositif multimédia est d’appréhender les différentes étapes de la fabrication d’un bijou, du polissage au sertissage. Les mains des artisans sont filmées du dessus, permettant d’être vraiment au cœur du geste. C’est à mon sens la partie la plus passionnante, avec un dispositif qui fonctionne bien. Peut être qu’un peu d’explications supplémentaires vocales pour décrire les outils par exemple, ou l’importance de chaque étape auraient un plus.

Film sur le sertissage du bijou ©De fil en archive

Une grande vitrine sépare le pôle fabrication du pôle création. Des exemples de pierres précieuses sont classés par couleur avec leur valeur en carats. C’est très beau et cela permet de découvrir des pierres comme la Labradorite !

 

Nacré ©De fil en archive

Rose ©De fil en archive

 

Ensuite place à la création

 

Deux acteurs jouant un créateur de la maison et une jeune femme lui donnant la réplique, interpellent le visiteur pour lui expliquer la création du collier point d’interrogation. Ce modèle inventif, imaginé en 1879, permet aux femmes d’enrouler le collier autour de leur cou par un jeu de ressorts, sans l’aide d’une tierce personne. Le collier sera récompensé à l’exposition universelle de 1889. Là encore, si le dispositif scénique souhaite accompagner le spectateur, l’effet tombe un peu à plat. Le comédien demande la participation de l’auditoire pour trouver le gouaché correspondant à ce collier, dommage on aurait préféré avoir un peu plus de renseignement sur cette étape que la recherche du dessin…

©De fil en archive

 

Pour évoquer l’originalité et la modernité des lignes Boucheron, des colonnes miroirs présentent des variations sur la ligne « Quatre » et sur la montre « Reflet ». L’application met en avant le cadeau d’Edith Piaf à Marcel Serdan et invite le visiteur à admirer les bijoux. La montre Reflet est liée au modernisme et présente un code important de la maison Boucheron, les godrons. Les colonnes bien qu’esthétiques présentent un terrible reflet qui permet peu d’admirer les subtilités des pièces.

 

La dernière partie de l’exposition sur le 26 place Vendôme promet une expérience unique : le visiteur est invité à réaliser une mini vidéo unique à 360 degrés dans un espace aux contours de la Place Vendôme. Malheureusement il fallait à nouveau faire la queue pour profiter du dispositif. Si cette partie met en avant le cadre unique de la boutique, le dispositif ne m’a pas donné envie d’attendre encore.

 

La bonne surprise : le catalogue

Je ne l’ai ouvert qu’après la visite. Il est très bien fait, agréable à lire, instructif et joli. Il donne les clés de tout ce qui m’a paru absent de l’espace d’exposition : les détails des œuvres présentées (j’aime les cartels) ou des textes de salle. Il complète vraiment la visite.

Cette exposition me laisse donc un peu sur ma faim, les dispositifs scéniques l’emportent sur le fond et c’est dommage. Le cadre de la Monnaie de Paris et les 160 ans de la maison Boucheron aurait pu prétendre à davantage d’exigence.

Pour vous faire votre propre avis, rendez-vous 4ter rue Guénégaud jusqu’au 28 janvier.

https://vendorama.boucheron.com/

 

 

 

 

 

Read More

Le musée Yves Saint Laurent à Paris : un écrin préservé

Posté le 11 oct. 2017 dans 11 oct. 2017 dans Billets

Le musée Yves Saint Laurent  à Paris : un écrin préservé

Ca y est le musée tant voulu par Pierre Bergé a ouvert ses portes au public. Il prend place dans la maison de couture historique à l’endroit même où la fondation faisait ses expositions (Femmes berbères du Maroc ou 1971, la collection du scandale par exemple). Le lieu est petit, assez intimiste, cossu. Il place le visiteur dans une position confortable, comme un invité dans les coulisses de la maison de couture.

 

Les codes de la maison

Le fil conducteur de cette exposition est de donner les clés de l’univers du couturier. Ses quatre pièces iconiques sont placées dès l’entrée : La saharienne, le smoking, le trench et le jumpsuit. Dans cette première salle on présente l’élaboration d’une collection (idée déjà exploitée dans la collection du scandale). Pour cette première rotation, c’est l’année 1962 qui est à l’honneur avec des modèles de jour et du soir de l’automne et de l’été.

Saharienne d’Yves Saint Laurent, ©De fil en archive

Elle fait face à un mur de chartes de collection (bibles) et de croquis. Yves Saint Laurent conserve la même technique que celle qu’il a apprise auprès de Christian Dior, avec la même rigueur.

Musée Yves Saint Laurent Paris, salle de la collection de 1962, photo Luc Castel

Le musée magnifie aussi le travail des métiers d’art : sublimes vestes brodées dont les noms des artisans sont valorisés, fait rare dans les cartels de musées.

Veste Tournesole, hommage à Vincent Van Gogh, affinités artistiques. ©De fil en archive

 

Explosion de couleur

Yves Saint Laurent aimait l’ailleurs, l’exotisme qu’il imaginait grâce aux écrivains et aux œuvres d’art. Il ne souhaitait ni être ethnologue, ni déguiser les femmes. Il intègre dans ses collections des influences de Russie, d’Afrique sub-saharienne, du Maroc, ou de l’Extrême-Orient. Les modèles seront vecteurs de création comme Amalia Vairelli. Dans cette salle, les mannequins sont dorés, et soulignent l’importance des couleurs et des influences.

La dernière salle donnera les affinités artistiques du créateur et sa famille idéale : Picasso, Van Gogh, Mondrian…

L’exotisme d’Yves Saint Laurent ©De fil en archive

Robe hommage à Piet Mondrian, Alexandre Guirkinger

 

Pierre & Yves l’aigle à deux têtes

 

Si le musée célèbre la création d’Yves Saint Laurent, il raconte aussi, à travers des photos, mais surtout d’une salle spécifique le couple Berger/ Saint Laurent. Une petite salle à la moquette épaisse est occupée entièrement par un écran où les vies des deux hommes, de leur rencontre à leur mort, sont racontées par l’un et par l’autre au travers d’un film sensible et intime qu’il faut regarder en entier. Il narre ce couple exceptionnel, mais aussi leurs tempéraments, leur goût pour l’art qui transformera leur appartement en musée, ou leur amour du Maroc. Peut être la proximité de la mort de Pierre Bergé rend-elle cette salle encore plus émouvante.

L’aigle à 2 têtes ©De fil en archive

 

Histoire de la mode et studio

 

L’étage supérieur est occupé par deux salles très différentes. La première raconte une histoire de la mode au travers des modèles d’Yves Saint Laurent : Antiquité, Moyen-âge réinterprété etc. Cette section présente des œuvres qui ont été peu exposées. Il faut savoir que la politique de conservation de la maison Saint Laurent a été très novatrice. Le couturier lui même choisissait quelles œuvres seraient conservées dès la fin de la collection.

 

Le studio, lieu de travail du couturier, est lumineux, meublé et richement décoré (photos, livres, croquis, fétiches, mais aussi boutons et bijoux). Le lieu est encore habité et donne l’impression qu’Yves St Laurent va revenir d’un instant à l’autre.

Studio d’Yves Saint Laurent, Luc Castel

 

Dernière section : les témoignages

Ce qui fait la force de ce musée c’est aussi la parole donnée aux acteurs de la maison de couture. Laurence Benaïm a recueilli le témoignage des anciens collaborateurs d’Yves Saint Laurent : presse, ateliers de création, salons de Haute Couture. Ces courtes interviews racontent l’effervescence de la société à son apogée ainsi que le sentiment d’une période révolue.

Témoignages de la maison Yves Saint Laurent ©De fil en archive

J’ai vraiment beaucoup aimé ce musée,  justement car j’avais l’impression d’être dans une bulle spatio-temporelle. Il est à taille humaine, la signalétique manque quelquefois de clarté, mais c’est sans doute voué à s’améliorer. D’autres chantiers comme le pôle pédagogique vont s’étoffer au cours des prochains mois mais un livret en partenariat avec la revue Dada permet un parcours famille.

Je n’ai pas tout dévoilé : la galerie des bijoux, les illustrations, beaucoup d’autres trésors sont à découvrir dans la scénographie de Nathalie Crinière (Dior, couturier du rêve aux arts décos, c’est elle aussi).

 

Musée Yves Saint Laurent Paris, 5 avenue Marceau, 75116 Paris,

exposition inaugurale jusqu’en septembre 2018

 

Read More

Irving Penn, photographe en art majeur

Posté le 01 oct. 2017 dans 01 oct. 2017 dans Billets

Irving Penn, photographe en art majeur

Après une très longue pause sans articles, me revoici pour parler d’Irving Penn. Le grand Palais présente une magnifique rétrospective initiée il y a quelques mois à New-York et qui se prolongera en 2018 à Berlin.

 

Pourquoi il faut y aller ?

 

Irving Penn a commencé à faire des photos en 1938 et dès ses débuts il met en place ses caractéristiques : goût pour les natures mortes, l’esthétique des traces, la sculpture des formes par la lumière et une vision très intime de ses portraits. Il voit la photographie comme un prolongement des autres arts que sont la peinture et la sculpture.

Lisa Fonssagrives-Penn
Irving Penn at Work in New Guinea
1970
The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Lisa-Fonssagrives-Penn Trust

 

Vogue une aventure de 60 ans

 

A partir de Juin 1943, Alexandre Liberman, directeur artistique de Vogue, embauche Irving Penn. Il va lui confier des portraits de célébrités, souvent intimidantes pour le jeune photographe qu’il est. Il choisit de les installer toujours selon le même procédé, dans un angle pour canaliser leur attention. Ses portraits sont incroyables et préfigurent d’autres séries plus tardives. On peut admirer des personnalités comme Truman Capote, Charles James, Elsa Schiaparelli. Loin de chercher uniquement un critère esthétique, il cherche à faire ressortir l’âme de son modèle au travers d’un processus long et assez ritualisé. Dans les années 50, il sera très sollicité par les célébrités, la mode et la publicité. On retrouve quand même toujours la même concision graphique et sa volonté de révéler son modèle.

Irving Penn
Truman Capote
New York, 1948
The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © The Irving Penn Foundation

Irving Penn
Ungaro Bride Body Sculpture (Marisa Berenson)
Paris, 1969
The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

 

Cuzco, un tournant

 

Parti réaliser une série mode à Cuzco au Pérou, il aura l’idée de photographier les Indiens pendant trois jours à la fin de son reportage. En effet, à l’occasion de Noël la population venait se faire immortaliser une fois dans l’année. Il loue le studio d’un photographe local et enchaine des portrait d’une incroyable émotion. Cette série sera un prologue à beaucoup d’autres au cours de sa carrière. Entre 1967 et 1971 il utilisera, en guise de studio, une tente et sillonnera l’Afrique, l’Asie et le Pacifique, toujours pour Vogue. Il ne s’agit en aucun cas d’une approche anthropologique mais d’une recherche esthétique.

Irving Penn Cafe in Lima (Jean Patchett) – 1948 The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Irving Penn
Cuzco Children 1948
The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Sur le même principe, Irving Penn décide de photographier les petits métiers de Paris : livreur de charbon, marchand de journaux, boucher, vendeur de peau de chamois ou de concombres. Il pérennisera cette série à Londres et à New-York avec toujours le même cadrage, le même fond neutre, et la même lumière naturelle. Ses clichés seront publiés en France et à l’étranger.

Irving Penn Foundation
©De fil en archive

 

Cigarettes, nus et natures mortes

 

Le photographe ne se cantonne pas à la série de mode (au demeurant exceptionnelle), mais continue ses propres recherches sur les traces du passé ou la nature morte. Tout trouve grâce à ses yeux : les résidus de cigarettes, les objets du caniveau, les fleurs fanées. Le tout en très gros plan, modifiant la perception du sujet. Pour les cigarettes c’est aussi une manière pour lui de critiquer l’industrie du tabac.

Irving Penn
Theatre Accident, New York, 1947
The Metropolitan Museum of Art, New York, Promised Gift of The Irving Penn Foundation © Condé Nast

Pour les nus, il utilise un autre procédé photographique qui lui permet d’obtenir une texture poudrée qui va avec la volupté de ses clichés.

Cette exposition est une très belle rétrospective qui permet de redécouvrir les séries modes d’Irving Penn, mais aussi  de découvrir d’autres facettes de son univers, au travers une scénographie sobre et des textes de salle lisibles. Une occasion à savourer.

Irving Penn, Grand Palais

Jusqu’au 29 janvier 2018

 

Read More

Nez, la revue olfactive qui embellit le monde

Posté le 20 juin 2016 dans 20 juin 2016 dans Billets

Nez, la revue olfactive qui embellit le monde

J’ai longtemps lu énormément de revues, pour le plaisir, pour apprendre, pour les séries modes. Et puis petit à petit je m’y suis moins retrouvée, ne pouvant m’empêcher de voir beaucoup trop de liens entre les articles et les pages de pub. Oui, il faut des annonceurs et ça fait parti du jeu, mais quand l’équilibre est précaire et le dossier de presse trop visible, le contenu s’appauvrit.

Quand j’ai lu un entrefilet sur la sortie de Nez, je me suis précipitée et l’ai trouvé dans une librairie. Eh bien je n’ai pas été déçue.

Nez est né (ahah) de l’association d’auparfum.com et des éditions du Contrepoint. J’aime beaucoup ce site qui permet d’avoir des articles étayés sur la parfumerie avec politesse mais aussi un vrai sens critique.

Nez ne s’intéresse pas qu’au parfum, mais se revendique revue olfactive. On y parle aussi bien de l’hedione, molécule synthétique qui évoque le jasmin (mais pas seulement) que des souvenirs olfactifs de l’école. Cerise sur le gâteau une petite carte permet de retrouver le savon jaune ou l’encre du stylo plume (je suis restée sur ma faim pour la colle Cléopâtre).

©De fil en archive

Carte parfumée Nez prafums d'école ©De fil en archive

Carte parfumée Nez prafums d’école
©De fil en archive

Aragon truffe ses livres de références odorantes, pendant qu’Alain Passard crée des parfums avec ses recettes de légumes. Les sujets sont très variés et font appel aussi bien à des scientifiques qu’à des journalistes, des écrivains, des critiques d’art, des créateurs de parfum réunis autour de Jeanne Doré. Le nez se connecte à tellement d’univers.

Le parfum n’est pas oublié pour autant. L’avantage d’être indépendant c’est de pouvoir avoir une vraie critique. Etymologiquement la critique n’est pas seulement négative. Il y a tant de nouveautés mensuelles qu’il y a bien sûr une sélection permettant de jolies découvertes… ou pas.

Le basilic du monstre à la plante aromatique ©De fil en archive

On complète par des rubriques sur l’évolution du marché, un agenda complet et un glossaire.

J’ai pris énormément de plaisir à lire, et même relire certains articles. Et la pub ? En fait si peu d’annonces et tellement sélectives qu’elle redeviennent intéressantes !

J’ai aussi beaucoup aimé les illustrations qui sont complétées par quelques portraits pour les entretiens, et des séries élégantes et sans snobisme.

Je vais attendre avec impatience le n°2

 

Pour en savoir plus :

http://www.nez-larevue.fr/

Read More

Tout savoir sur la mode médiévale

Posté le 06 juin 2016 dans 06 juin 2016 dans Billets

Tout savoir sur la mode médiévale

Vous connaissez la tour Jean Sans Peur ?

 

Je dois avouer qu’avant de savoir qu’une expo sur la mode au Moyen Age se tenait dans ce lieu un peu secret, je ne le connaissais pas. J’étais souvent passée devant sans y faire très attention. Un peu en retrait derrière les arbres dans la rue Etienne Marcel, elle jouxte une école.

Le site annonce sobrement qu’elle est le dernier vestige du Palais des ducs de Bourgogne au XVe siècle et qu’elle conserve un bel escalier à vis (c’est vrai!). Cela étant, ce monument abrite une exposition temporaire qui a de quoi attiser la curiosité. Une particularité de ce lieu est de proposer des expositions thématiques sur le Moyen Age avec une grande rigueur et des commissaires d’expo passionnés.

La façade de la Tour Jean sans peur, ancien palais parisien des ducs de Bourgogne. © de fil en archive

La façade de la Tour Jean sans peur, ancien palais parisien des ducs de Bourgogne. © de fil en archive

 

Enluminures et reconstitutions

 

Ici vous ne verrez pas de pièces originales car de part son budget, son espace et le thème abordé cette année, le choix a été de faire des reconstitutions, si possibles dans des tissus proches des originaux, et d’illustrer le thème avec des enluminures géantes. En effet, présenter des pièces historiques nécessiterait beaucoup de contraintes. Etonnamment, ce parti-pris permet de déculpabiliser le visiteur en supprimant l’aspect sacré qui aurait pu éloigner certains spectateurs.

J’ai eu la chance, grâce au Séminaire d’histoire de la mode, de pouvoir suivre une visite avec Nadège Gauffre Fayolle, commissaire de l’exposition. Sa passion et ses recherches permettent de faire le point sur la notion relative de mode à cette époque. En effet, dans l’exposition elle insiste sur les grands courants de l’habillement uniquement pour l’aristocratie. Pourquoi ? Parce qu’il faut faire des choix et qu’en plus il est un peu plus facile de trouver des représentation voire des vestiges de l’habillement des nobles de l’époque.

© Tour Jean sans peur

© Tour Jean sans peur

L’éloge de la lenteur

 

L’habillement évolue peu entre les Mérovingiens et le XIème siècle. Les hommes portent une tunique et des braies (pantalon), tenues avec lanières et jambières, tandis que les femmes portent une tunique et un voile manteau (pour comprendre, il suffit de regarder les représentations de la Vierge).

La mode évolue ensuite de manière assez unisexe. Hommes et femmes portent des tuniques et surcots qui se différencient uniquement par la longueur et la présence de fentes sur le devant pour les hommes (plus commode pour bouger). Sans que l’on puisse l’expliquer véritablement, savez-vous quelle est la partie du corps que l’on magnifie ? Le bras ! Les manches sont chauve-souris et cette partie du corps est l’objet de toutes les attentions pour être galbée et remarquée.

Tunique et manche chauve souris © de fil en archive

Tunique et manche chauve souris © de fil en archive

 

L’exposition évoque aussi la coupe des vêtements qui privilégie les formes simples et l’ajout de quilles de tissu pour ne pas gaspiller les étoffes.

Des proportions redessinées

 

La première partie de l’exposition esquisse en quelques silhouettes fortes les canons esthétiques.

Au XIVe siècle, les hommes veulent de la carrure et n’hésitent pas à rembourrer leur pourpoint grâce à un matelassage « en assiette » (qui forme des arrondis et laissent de la liberté de mouvement). Les chausses coupées dans du biais, là encore pour des questions de mobilité, parachèvent une silhouette toute en jambes. Pour s’adapter aux saisons, le grammage de la laine est différent en été et en hiver. Une autre particularité est d’obtenir un tissu velouté proche de l’aspect du velours, mais en utilisant de la laine à longs poils, qui est ensuite rasée. Cette étoffe vient des Flandres.

Reconstitution du pourpoint de Charles de Blois, dernier quart du XIVe siècle, avec matelassage en assiette. © de fil en archive

Reconstitution du pourpoint avec matelassage en assiette. © de fil en archive

 

Cette tendance qui sculpte les jambes augmente au XVème siècle avec des pourpoints plus courts (mi- fesses) et des chausses qui s’adaptent et se cousent à l’entrejambe. Elles présentent la particularité de s’ajuster avec des « aiguillettes » nouées qui nécessitent souvent l’aide d’un domestique pour obtenir un effet parfait. De manière péjorative, cette silhouette masculine est comparée au lévrier.

Silhouette masculine © de fil en archive

Silhouette masculine © de fil en archive

 

Les femmes privilégient une cotte ajustée et lacée avec un buste très étriqué pour allonger la silhouette. La coupe princesse est de mise.

Caleçons, soutien-gorge et slip

 

Une partie étonnante est consacrée aux sous-vêtements masculins et féminins. Les représentations d’hommes en sous-vêtements est usuelle dans la littérature médiévale : scènes de jeux, de lutte, et même de foulage du raisin. En les décortiquant, on apprend beaucoup sur l’évolution du caleçon pourvu de lanières pour être remonté ou au contraire maintenu long, des chemises complètent la tenue et même des slips pas si loin des modèles actuels.

Une découverte surprenante au château de Lengberg en Autriche nous apprend que le maintien de la poitrine faisait l’objet d’une attention marquée : le soutien-gorge et la robe à sachets, qui permettent de maintenir la poitrine, existent déjà. La mode est au buste menu et c’est aussi une préoccupation médicale de l’époque.

Buste court de la silhouette féminine © De fil en archive

Buste court de la silhouette féminine © De fil en archive

Pas de mode jetable

 

Si le tissu est actuellement facile à réaliser et se renouvèle particulièrement vite (trop vite), le Moyen-Age voit le textile très différemment. On parle alors de lin, de soie, et de laine et se vêtir coûte cher. Les vêtements sont entretenus, préservés, transmis et réutilisés.

Une pièce entière de l’exposition (au sous-sol) nous emmène dans un atelier de couture.

La garde robe est une vraie préoccupation (et une vraie fonction). Pas question de laisser les vêtements en vrac sur le sol. Ils sont suspendus sur des perches (pour éviter le grignotage des rongeurs), régulièrement aérés pour éviter les moisissures, entreposés dans des coffres pour éviter les puces.

Et les taches ? Les marchands ambulants vendent des préparations pour détacher et entretenir. Le fiel de bœuf, le blanc d’œuf, l’urine, l’argile sont une partie des ingrédients qui rentrent dans la composition des produits.

© de fil en archive

© de fil en archive

Perches © de fil en archive

Perches © de fil en archive

Plus blanc que blanc

 

On brosse, on époussette, mais on lave aussi en fonction des textiles. Le linge blanc doit rester immaculé car il est souvent visible. Grâce à des fentes et par coquetterie, il est suggéré ou exposé.

Il est aussi utilisé en contraste avec les autres vêtements colorés qui sont eux même doublés différemment.

Le poids de la morale et comment s’en affranchir

Il faut garder en tête que les moralistes et le clergé ont une force énorme à l’époque. Les lois somptuaires fixent les règles sur le luxe. La société est organisée et chacun doit rester à sa place, ni se surélever, ni se rabaisser. C’est valable aussi dans l’habillement. Pour adoucir ces dogmes la population a plusieurs subterfuges : les détails, les accessoires et les occasions spéciales.

Pour mettre en valeur les étoffes précieuses on voit par exemple l’apparition de fentes non utilitaires sur les vêtements, comme la « monstre » qui permet de dévoiler au niveau de la taille les étoffes du dessous. Elle part à la base d’un aspect pratique, qui était d’accéder à ses affaires nouées à la ceinture. Les belles n’avaient pas de sac à main !

Un ornement visible au XIVe siècle est la freppe. Ce découpage du tissu comme le canivet de papier, permet d’embellir son vêtement par un détail dans un tissu plus précieux et plus dense. Il peut se changer s’il est défraichi. Ce souci de la pérennité des ornements se retrouvait dans l’exposition Indigo avec les broderies.

 

Détail de freppe © de fil en archive

Détail de freppe © de fil en archive

Un autre aspect important est le couvre-chef. Pas de femme tête nue (sauf les prostituées). Il prend plusieurs formes mais a tendance à s’élever jusqu’à la démesure.

Grace au fil archal (fil métallique).

Le hénin, coiffe à corne, est en fait une mauvaise appellation (liée à une insulte aux femmes portant cette coiffure et évoquant le diable). Il faut en fait parler de flocard.

Pour les hommes on utilise un chaperon (comme pour le petit chaperon rouge), mais il est souvent détourné (en inversant la manière dont on le pose sur la tête pour obtenir une coiffure en crête de coq par exemple), l’ancêtre de la casquette à l’envers.

© Tour Jean sans peur

© Tour Jean sans peur

 

L’exposition est d’une richesse incroyable de documentation. Pour le vêtements de bal, j’ai découvert les costumes d’homme sauvage en étoupe de lin et cire qui sont célèbres pour le tragique bal des Ardents, ou encore le costume du fou du roi et sa signification ; les décors temporaires à la feuille d’or (la batture) qui donne l’illusion d’un vêtement précieux.

Costume d'homme sauvage en étoupe de lin et cire © De fil en archive

Costume d’homme sauvage en étoupe de lin et cire © De fil en archive

Le fou du roi © De fil en archive

Le fou du roi © De fil en archive

 

Les chaussures sont jetables et le fameux cousu retourné utilisé encore aujourd’hui par une célèbre marque de chausson de danse… On achète les chaussures en grande quantité et la démarche est dansante. Elle accompagne les grelots qui provoque une mode sonore !

On pourrait écrire trois articles avec la quantité des informations de cette exposition temporaire. Et il est frustrant de ne pas tout raconter : une seule solution, allez-y ! Un seul regret peut être c’est l’absence d’un glossaire sur les termes des vêtements.

Découverte des tissus © De fil en archive

Découverte des tissus © De fil en archive

 

Le petit fascicule (7 euros) qui accompagne l’exposition reprend une grande partie des informations de celle-ci, et permet de se remémorer ou de compléter sa visite.

Les anciennes expositions tournent dans d’autres région comme Dourdan, ou le château du Clos Vougeot.

EDIT : Un glossaire est en cours de réalisation : réactivité de la Tour Jean sans peur !

 

La mode au Moyen Age, Tour Jean sans peur jusqu’au 15 janvier 2017

 

 

 

 

 

Read More

Mettre en lumière le patrimoine unique des marques de luxe : des trésors à redécouvrir