Irving Penn, photographe en art majeur

Posted the 01 Oct 2017 in 01 Oct 2017 in Billets

Après une très longue pause sans articles, me revoici pour parler d’Irving Penn. Le grand Palais présente une magnifique rétrospective initiée il y a quelques mois à New-York et qui se prolongera en 2018 à Berlin.

 

Pourquoi il faut y aller ?

 

Irving Penn a commencé à faire des photos en 1938 et dès ses débuts il met en place ses caractéristiques : goût pour les natures mortes, l’esthétique des traces, la sculpture des formes par la lumière et une vision très intime de ses portraits. Il voit la photographie comme un prolongement des autres arts que sont la peinture et la sculpture.

 

Vogue une aventure de 60 ans

 

A partir de Juin 1943, Alexandre Liberman, directeur artistique de Vogue, embauche Irving Penn. Il va lui confier des portraits de célébrités, souvent intimidantes pour le jeune photographe qu’il est. Il choisit de les installer toujours selon le même procédé, dans un angle pour canaliser leur attention. Ses portraits sont incroyables et préfigurent d’autres séries plus tardives. On peut admirer des personnalités comme Truman Capote, Charles James, Elsa Schiaparelli. Loin de chercher uniquement un critère esthétique, il cherche à faire ressortir l’âme de son modèle au travers d’un processus long et assez ritualisé. Dans les années 50, il sera très sollicité par les célébrités, la mode et la publicité. On retrouve quand même toujours la même concision graphique et sa volonté de révéler son modèle.

 

Cuzco, un tournant

 

Parti réaliser une série mode à Cuzco au Pérou, il aura l’idée de photographier les Indiens pendant trois jours à la fin de son reportage. En effet, à l’occasion de Noël la population venait se faire immortaliser une fois dans l’année. Il loue le studio d’un photographe local et enchaine des portrait d’une incroyable émotion. Cette série sera un prologue à beaucoup d’autres au cours de sa carrière. Entre 1967 et 1971 il utilisera, en guise de studio, une tente et sillonnera l’Afrique, l’Asie et le Pacifique, toujours pour Vogue. Il ne s’agit en aucun cas d’une approche anthropologique mais d’une recherche esthétique.

Sur le même principe, Irving Penn décide de photographier les petits métiers de Paris : livreur de charbon, marchand de journaux, boucher, vendeur de peau de chamois ou de concombres. Il pérennisera cette série à Londres et à New-York avec toujours le même cadrage, le même fond neutre, et la même lumière naturelle. Ses clichés seront publiés en France et à l’étranger.

 

Cigarettes, nus et natures mortes

 

Le photographe ne se cantonne pas à la série de mode (au demeurant exceptionnelle), mais continue ses propres recherches sur les traces du passé ou la nature morte. Tout trouve grâce à ses yeux : les résidus de cigarettes, les objets du caniveau, les fleurs fanées. Le tout en très gros plan, modifiant la perception du sujet. Pour les cigarettes c’est aussi une manière pour lui de critiquer l’industrie du tabac.

Pour les nus, il utilise un autre procédé photographique qui lui permet d’obtenir une texture poudrée qui va avec la volupté de ses clichés.

Cette exposition est une très belle rétrospective qui permet de redécouvrir les séries modes d’Irving Penn, mais aussi  de découvrir d’autres facettes de son univers, au travers une scénographie sobre et des textes de salle lisibles. Une occasion à savourer.

Irving Penn, Grand Palais

Jusqu’au 29 janvier 2018

 

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Pourquoi Dior et la photographie ?

Posted the 08 Sep 2014 in 08 Sep 2014 in Billets

Granville c’est un peu loin en Normandie, mais il y a là-bas la maison d’enfance de Christian Dior. Transformée depuis plusieurs années en musée, la villa les Rhumbs accueille pour la saison une exposition sur les rapports étroits de la photo et la maison Dior.   Barbara Jeauffroy Mairet, commissaire associée a eu la gentillesse de nous raconter les coulisses de la préparation.

Pourquoi avoir choisi la photographie ?

Ce thème n’avait encore jamais été abordé dans nos expositions. Ca a été pour nous l’occasion de faire des recherches spécifiques : le fond Condé Nast, le fond du magazine Elle, des recherches au musée des arts décoratifs et au musée Galliera.

Nous avons procédé à un dépouillement systématique (pour le magazine Elle jusqu’en 1964). Cela nous a permis de faire de jolies découvertes.

La photo est-elle abordée uniquement sur la période Christian Dior ?

Non, la photo est prise en compte pour la vie de la maison Dior, de son fondateur à Raf Simons. Les photographes présentés sont entre autre Irving Penn, Horst, Sarah Moon mais aussi Patrick Demarchelier et Inez van Lamsveerde Vinooh Matadin qui sont très présents aujourd’hui dans la maison Dior.

Dominique Isserman nous a accordé une interview. Ses tirages présentés à Granville sont d’une qualité exceptionnelle. Elle en a supervisé l’exécution et cela procure beaucoup d‘émotions en observant ses photos.   C’est une démarche que nous avons privilégiée : avoir le maximum de tirages originaux et validés par le photographe quand cela était possible.

La photo est un art et le tirage est primordial.

Nous avons eu pour l’exposition le prêt d’un tirage original de Peter Knapp par le musée Nicéphore Nièpce de Châlon sur Saône.

 

 

Il y a t’il une photo mythique de présentée dans l’exposition ?

  Oui, la fondation Pierre Bergé YSL nous a prêté la photo « Dovima et les éléphants » de Richard Avedon qui date de 1955. Christian Dior était encore vivant mais il est avéré que la robe de la photo « Soirée Paris » a été créée par Yves Saint-Laurent. Cette photo a été fprise pour le Harper’s Bazaar. Le tirage présenté a vraisemblablement été offert à Saint Laurent par Avedon lui même. C’est encore plus émouvant. Pour l’occasion nous avons rencontré Emilien Bouglione qui se souvient de la séance photo. Les éléphants étaient ceux du cirque Bouglione (Article à retrouver dans le catalogue de l’exposition)

 

 

Comment s’est fait le choix des robes présentées au musée ?

  200 tirages photographiques sont présentés dans l’exposition et 60 robes issues de ces photos sont exposées ce qui est formidable.   L’exposition s’articule en plusieurs thèmes. Au rez-de-chaussée on retrouve les photos mythiques de la maison Dior avec entre autre la célèbre composition de Loomis Dean qui montre les mannequins sur un escabeau. La scénographie met les vêtements en résonance avec les tirages photos. Par exemple pour cette photo, les robes sont présentées dans la même position.

Il y a cette année un très gros travail de scénographie avec un nouveau partenaire, l’agence Alighieri. Beaucoup de nouveautés muséographiques avec des blocs vitrines remodelés qui incluent un vrai sol technique.

Toutes les parties de la maison ont été reprises, en particulier le bureau du père de Christian Dior.   Une salle tendue de toile de Jouy rappelle la boutique Colifichets de 1947, et montre des photos ayant trait au voyage.   Il y a aussi d’autres tableaux : De Paris à Versailles pour les thèmes en extérieurs ou encore le cycle d’une journée. Les vêtements répondent aux photos. La couleur est utilisée de manière monobloc.

  Au dernier étage c’est le photographe photographié avec le mannequin Bettina portant la robe « Grand Mogol » sur la place de la Concorde.   La dernière pièce restitue le bureau d’une rédactrice en chef et montre à la fois le travail de stylisme avec les robes sur un portant et le travail de photographie qui est fait dans les magazines, en montrant comment l’image peut être modifiée, retravaillée. Cette pièce toute rose est très ludique. Elle présente aussi un all over de couverture de magazine de photos de Dior, comme un jeu dans l’exposition.   A noter le beau catalogue, véritable complément de l’exposition.

“Dior, images de légende”

http://www.musee-dior-granville.com/ jusqu’au 21 Septembre 2014

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Papier glacé, le génie de Condé Nast

Posted the 19 May 2014 in 19 May 2014 in Billets

En voyant le titre de l’expo, j’étais un peu dubitative : pourquoi Galliera consacrait une exposition entière sur la photo de magazine, était-ce juste un partenariat pour le musée ? Et puis en allant visiter l’exposition j’ai totalement changé de sentiment.

Vogue parait dès 1892, il est racheté par l’éditeur Condé Nast en 1909. Il achètera aussi Vanity Fair et plus récemment W. Ce qui fait la force de ces publication c’est avant tout la direction prise dès le début : les meilleurs artistes photo pour un magazine luxueux s’adressant à un lectorat avisé. 

En 1923 c’est Edward Steichen  qui prend la tête de la direction photographique des publications Condé Nast. Il impose son talent et son goût très raffiné. Pour les photographes, travailler avec ce groupe c’est souvent sur du très long terme (Irving Penn 60 ans, ou  Steven Meisel 25 ans…).

Les  7 cimaises proposent chacune un thème : les intérieurs luxueux habités par d’élégantes créatures, les scènes en extérieur, idée dynamique et novatrice, avec mise en scène d’une femme décidée et sophistiquée, en mouvement dans la ville.

L’éloge du corps est très liée à la genèse du magazine, qui a dès le début de sa parution proposé des pages beauté et santé à ses lectrices. Il est intéressant d’ailleurs dans le choix des photos de voir comme le corps s’est transformé au fil du temps : de sain, il est devenu totalement conceptualisé comme dans la photo de Sølve Sundsbø qui fait perdre toute densité au profit d’une représentation lisse et irréelle. Herb Ritts dans les années 80 montre surtout des corps érotisés à l’extrême. A noter de jolies concordances comme une série sur la roue et le cerceau dans cette partie de l’exposition.

D’autres thèmes sont présents,  comme la nature morte qui met en scène le corps, le découpe en morceaux,  en le rendant support  d’accessoires ou de fantasme.

La partie silhouette, montre que le corps (toujours) s’inscrit dans un cadre plus large avec des codes personnels. C’est l’invention d’un nouveau langage universel et graphique. Le flou très contrasté de Paolo Reversi ou le jeu graphique d’Erwin Blumenfeld en sont de parfaites illustrations.

Même si les portraits présentés sont très différents, ils ont un point commun, la complicité du photographe et  de son modèle. La danseuse Leonore Hugues en 1923 par Edward Steichen montre une confiance aussi forte que le portrait de Peter Lindberg mettant en scène les top models de la décennie : Lynne Koester, Ulli Stein Meier, Cindy Crawford et Linda Evangelista. Il est intéressant et émouvant de constater que selon les époques les noms des modèles apparaissent aussi au même titre que le photographe.

Enfin la fiction, qui existe depuis le début mais s’accentue avec les années 70. On reste dans l’esprit de Cecil Beaton et on peut aussi ressentir l’époque  comme la photo de Clifford Coffin dans le vogue anglais qui présente une femme en robe de soirée dans un escalier en ruine.

La muséographie est très agréable, les cimaises blanches à tranche noire contrastant joliment avec le parquet du musée. Le format des photos varie  mais respecte une bonne hauteur de vue. Et les vêtements ? Une sélection courte mais efficace est mise en parallèle dans des vitrines en verre et bois clair individuelles. On peut les admirer sous toutes les vues, à l’exception de celles qui sont plaquées sur le rideau foncé du fond de la salle centrale.

Les cartels, agréables à lire, sont quelquefois poétiques : manteau du soir de Jacques Doucet : Soie cyclamen brodée de fil de soie flochée et fil d’argent. Bordure de cygne rose et fermoir métal. Deux salles en longueurs présentent  une sélection de magazines ouverts, ponctués d’écrans numériques qui tournent les pages seuls. Cette installation est intéressante car elle remet les photos à leur dimension habituelle, moins spectaculaire que l’accrochage, la difficulté du format magazine est visible. Un regret, que le dispositif numérique ne soit pas interactif.   A noter que le spectacle était sur les murs autant que dans les salles, car l’exposition intéresse aussi un public averti issu des écoles de mode.

Au final, Papier glacé, par son cheminement thématique à travers le siècle, permet de prendre du recul et d’admirer le talent des photographes retenus. La correspondance avec les œuvres de Galliera réenchante le vêtement et le remet au cœur du magazine.

Palais Galliera, à découvrir jusqu’au 25 Mai 2014

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